Esta producción cinematográfica es una road movie protagonizada por una niña que dice recibir mensajes de los animales. Sus tutores aprovechan este don para ofrecer sus servicios de médium entre las mascotas y sus dueños. Tras el dinero de personas que quieren saber qué sienten sus compañeros de otras especies (vivos o muertos) viajan a bordo de un pequeño motorhome por los caminos vecinales del territorio entrerriano. Con esta película el director continúa una senda trazada en otras como Vendrán lluvias suaves (2018) o Piedra Noche (2021), que pone en perspectiva la sensibilidad de la infancia. En todos los casos, lo fantástico o lo mágico son parte del mundo de los niños en contraposición al de los adultos.

Sobre la película: La niña protagonista de El mensaje, interpretada por Anika Bootz, es retratada con gran delicadeza para dejar entrever su mirada de las cosas. Casi siempre en silencio, salvo cuando tiene que interpretar el idioma de los animales, dice mucho de su universo interno y del contexto de los mayores, más bien errático y especulativo, pero también sufrido y en crisis.

Esa búsqueda se va por la huella del camino que recorren los personajes, un elenco con grandes figuras como Mara Bestelli y Marcelo Subiotto, y que marca la fugacidad de una existencia precaria y alucinante en permanente tránsito; con escalas en la banquina, en paradores ruteros, en pueblos y atardeceres hechos con la luz de la provincia y la fuerza del canto de los teros.

Sobre el director:Iván Fund nació en San Cristóbal (Santa Fe) en 1984 y pasó su infancia y adolescencia en Crespo. Con El mensaje, se alzó con el Oso de Plata del Jurado en el Festival de Berlín de 2025. Además, con trabajos anteriores, ha participado de los principales festivales del mundo como Cannes, Venecia, San Sebastián y Mar del Plata, entre otros, recibiendo diversas distinciones.

Con Macaulay Culkin en el papel principal, la cinta combinó humor, ternura y una dosis justa de travesuras que conquistó tanto a niños como adultos. Su éxito fue inmediato: recaudó más de 470 millones de dólares y se mantuvo durante 12 semanas consecutivas en el número uno de la taquilla estadounidense. Durante años, fue el film de comedia más exitoso de la historia.

Más allá de los récords, Mi pobre angelito logró algo más importante: convertirse en un ritual de cada Navidad. No hay diciembre sin la música de John Williams, sin el grito frente al espejo ni sin los “bandidos mojados” cayendo en las trampas del ingenioso Kevin.

A 35 años de su estreno, la película sigue vigente, cruzando generaciones y recordándonos que, a veces, el hogar y la familia son el mejor regalo navideño.

La misma contará con la presencia de su director, Lucas Martelli, documentalista de gran trayectoria, y uno de sus protagonistas, Héctor Freilij, médico infectólogo, pediatra y exdirector del Programa Nacional de Chagas.Argentina tiene el mayor número de pacientes con mal de Chagas en el mundo y al día de hoy no existen políticas públicas sólidas para lograr controlarla. Esta película resulta una oportunidad valiosa para compenetrarse con esta enfermedad y reflexionar acerca de la importancia de focalizar en ella.Luego de la proyección, tendrá lugar una charla en la que se profundizará acerca de la realización de la película y la actualidad del Mal de Chagas en nuestro país.Viernes 4 de octubre - 19:30hs Audiorio UNER (Monseñor Tavella 1424). Concordia, Entre Ríos.Entrada libre y gratuita

CONTACTO para más información o para coordinar entrevistasEugenia Corthey: 1166270295 / cortheyme@gmail.comLucas Martelli: 1155649132 / lucasmartelli@gmail.com 

Corría 1998 cuando Martin Scorsese decidió presentarle al mundo la cinta “La última tentación de Cristo”, en la que abordó la vida de Jesús inspirada en los evangelios. Sin embargo, la trama de la cinta dio un giro a la historia, cuando en la crucifixión el hijo de Dios es liberado de sus martirios por un ángel y así poder vivir sus amoríos con María Magdalena.

Recientemente, el director y productor de cine dio a conocer que está preparando una nueva cinta inspirada en Jesús, luego de haber conocido al Papa Francisco en Italia. Esta información fue revelada por Scorsese en medio de una rueda de prensa en el Vaticano en la que dijo haber “respondido a un llamado del sumo Pontífice a los artistas”.

El director de cine se encuentra realizando una gira por Italia y en su paso por el Vaticano, tuvo una audiencia privada con el máximo jerarca de la Iglesia católica de la que Scorsese es fiel seguidor. En este encuentro antes de conferencia La estética global de la imaginación católica, también estuvo presente la esposa del cineasta, Helen Morris.

“He respondido al llamado del Papa a los artistas de la única manera que sé: imaginando y escribiendo un guión para una película sobre Jesús. Y estoy a punto de comenzar a hacerla”, destacó Variety.

Cabe mencionar que, esta conferencia a la que asistió el estadounidense fue organizada por una publicación jesuita de nombre La Civiltà Cattolica y la Universidad de Georgetown. Por otra parte, el medio de comunicación reveló que el editor del periódico religioso, Antonio Spadaro dijo que:

“Durante su conversación en la reunión, Scorsese alternó entre referencias a sus películas y anécdotas personales y explicó cómo lo conmovió el llamado del Santo Padre ‘para que veamos a Jesús’”.

Por su parte, el sumo pontífice expresó que el trabajo de los guionistas, directores y artistas es dar cuerpo y palabra a todo lo que los seres humanos viven; además, saber afrontar las críticas aceptándolas.

“Este es su trabajo como poetas, narradores, cineastas, artistas: dar vida, dar cuerpo, dar palabra a todo lo que los seres humanos viven, sienten, sueñan, sufren, creando armonía y belleza... ¿Te criticarán? Está bien, lleva el peso de la crítica, intentando también aprender de ella, pero, aun así, no dejen de ser originales, creativos, no pierdan la maravilla de estar vivos”.

El director cuenta en su haber con dos producciones referidas a su religión, específicamente el catolicismo. Por un lado, en 1988 estrenó el polémico film La última tentación de Cristo y, en 2016, realizó Silencio, sobre la persecución de los jesuitas cristianos en el Japón del siglo XVII. Este film se proyectó incluso en el Vaticano. Durante la reunión con la prensa, Martin Scorsese también se refirió a una película que marcó su carrera como director, como fue El Evangelio según Mateo, de Pier Paolo Pasolini y estrenada en 1965

Infobae-(FOTO: REUTERS)

La tumultuosa vida de Napoleón Bonaparte, quien pasó de ser un anónimo teniente del ejército a emperador de Francia para luego ser encarcelado en una isla, es reflejada en “Napoleón”, la superproducción dirigida por Ridley Scott con Joaquin Phoenix, que aborda los sucesos históricos a través de la relación del protagonista con Josefina, su gran amor.

La película, que llega a las salas argentinas mañana, es un relato clásico, que a partir de la pregunta primigenia sobre cómo retratar a una figura histórica que buena parte del planeta conoce, y de la que incluso muchos tienen una opinión formada, Ridley Scott se decide por el espectáculo grandioso en la búsqueda del entretenimiento genuino. En ese sentido, el director de “Alien, el octavo pasajero”, “Blade Runner” y “Gladiador”, entre otros títulos, es un realizador de la industria y como tal, sabe contar de manera eficiente para públicos masivos. Entonces, “Napoleón” se inscribe en el clasicismo, con una historia que va a de lo particular a lo colectivo, del drama personal a la gloria para la posteridad.

Apenas cuatro años después del comienzo de la República en 1789, el joven teniente nacido en la isla de Córcega obtiene una resonante victoria al recuperar la ciudad portuaria de Tolón en manos de los realistas aliados a los ingleses, un logro que fue reconocido con el cargo de General de Brigada para Bonaparte, que desde allí no paró de crecer como figura pública.

El guion de David Scarpa (“Todo el dinero del mundo”) muestra la acumulación de capital militar y político de Napoleón, primero con la mencionada batalla de Tolón y luego con la famosa batalla de Austerlitz -en donde derrotó a la alianza estratégica ruso-austriaca-, junto con las conquistas en Italia y Egipto, que inevitablemente lo ubicaron con peso político propio, necesario para que en 1799 encabezara un golpe de estado para sacar a un gobierno desprestigiado por la corrupción, por el que fue nombrado Cónsul y poco tiempo después, Emperador de Francia.

Ridley Scott documenta los hitos militares de manera formidable, con realismo y un pulso privilegiado para la acción que, por caso, ya había demostrado en las grandes batallas de “Gladiador”; también da cuenta con solvencia de las intrigas palaciegas y del clima de época marcado por las polémicas políticas, que tenían a la guillotina como clausura de cualquier discusión.

Pero también está el “interior” de “Napoleón”, en donde sí los palacios y residencias son los escenarios de los tironeos del poder, pero sobre todo en donde se juega el eje central de la película, que es el amor desbordado del personaje por Josefina (Vanessa Kirby).

La relación, improbable por diferencias de clase y educación, se da, progresa y se consolida, aunque en el medio se suceden las infidelidades mutuas, la búsqueda obsesiva de un heredero y las presiones externas que debieron soportar.

Sin embargo, el amor entre ambos sobrevive y el filme del realizador británico parece abonar la hipótesis de que la desmedida ambición de Napoleón Bonaparte encontró en Josefina el sustento para crecer y, si se quiere ir un paso más allá, la razón de ser de todas sus conquistas.

Pero si el eje es el amor entre dos protagonistas destinados a no estar juntos, el gran acierto del relato es el coming-of-age de Napoleón Bonaparte, que muestra en detalle cómo aprendió a ser un brillante estratega militar, también a ser político, gobernar y, claro, cómo debió aprender a amar y luego sostener su pasión por Josefina.

Entretenida, con un buen trabajo de Joaquin Phoenix acompañada por una descollante Vanessa Kirby, “Napoleón” es una película entretenida, cine industrial de calidad que a pesar de algunas irregularidades –la vida de Napoleón hablada en inglés es un despropósito-, cumple con el objetivo de ofrecer un espectáculo de fácil consumo y disfrutable.

TELAM

También en los tiempos contemporáneos, importantes estamentos del poder económico se acercan a las artes e invierten en la creación artística con dosis homeopáticas de interés estético y elevada especulación financiera.

Sobre eso trata “The square” (2017), notable película del sueco Rubén Östlund. En el marco del ambiente de las exposiciones artísticas, Christian el mánager de un museo de arte contemporáneo sueco (el actor danés Claes Bang) apuesta a una instalación artística que consiste en un cuadrado (de ahí el nombre original del film) iluminado colocado en el suelo.

Esta extravagante perfomance es atribuida a la “artista y socióloga” argentina Lola Arias. En realidad, Lola Arias es una dramaturga argentina que había sido convocada para participar de la película, pero no tiene ninguna relación con la instalación a que se alude en el film. Finalmente solo quedó su nombre como un personaje y su disgusto que exteriorizó en declaraciones al momento del estreno del film. Por otra parte la idea del cuadrado era originalmente del propio director y lo había llevado a la práctica en el Museo Vandalorum, un museo de Arte y Diseño, ubicado en Varnamo, Suecia, en 2014.

El argumento transita por situaciones íntimas y personales del protagonista, como el robo de su celular que le hará incursionar en un seguimiento obsesivo por recuperarlo, avanzando en amenazas a los habitantes de clase media en un edificio, en el cual, según la pesquisa del protagonista estaría el celular. Esa situación deriva en una interpelación por parte de un chico (interpretado por Elijandro Edouard) que se siente afectado que se haya involucrado a su familia en la amenaza, manteniéndose el cuestionamiento del menor durante el resto del film. Por otra parte, su relación fría y narcisista con las mujeres, generan escenas memorables por lo insólito, sobre todo en la relación con Anne, la periodista estadounidense (interpretada por la extraordinaria actriz Elizabeth Moss, que fuera protagonista en las conocidas series “Mad Men” y “El cuento de la criada) que se interesa por el prestigio de Christian y termina involucrada en una curiosa relación. La relación con sus dos hijas no lo termina de compensar afectivamente y esconde grados de culpa.

El interés por difundir la obra a exhibir, apelando a difundirla en redes sociales con un marketing rayano con lo desagradable, violento y ofensivo termina perjudicando al protagonista, llevándolo a tener que comunicar su renuncia en una conferencia de prensa en que se cuestiona tanto el mecanismo y la forma de divulgación de la obra como también su incapacidad para administrar el museo en una sociedad que, paradójicamente, exuda intolerancia.

El arte contemporáneo y sus delirios de actualidad y excentricismo extremo incluso fuerzan los límites de la interpretación intelectual. Se consigue entonces, por el contrario de lo esperable instalar, en vastos sectores de la población, el concepto de la inutilidad del arte.

No obstante en la discusión por el valor artístico intrínseco de cada obra de arte, que debería ser lo conducente y lo apreciable, por encima y al margen del interés comercial, esta película se asemeja a “Art”, la obra de teatro de Yazmina Reza, sobre una tela blanca, que ha tenido múltiples versiones exitosas, incluso en Buenos Aires.

Hay una serie de escenas magistralmente logradas, con conexiones con el surrealismo de Buñuel. Es notable la incursión como la del mono, cuando un grupo de burgueses indiferentes en una cena importante, no reaccionan, y lo hacen cobardemente en grupo, recién cuando la situación se torna insoportable, luego de un suspenso prolija y nerviosamente creciente. O casi al comienzo del film cuando en la inauguración de una exposición de un artista, los concurrentes están más interesados por arrasar con el lunch que apreciar las obras. O en la incómoda escena de la conferencia de Julián, interpretado por Dominik West, interrumpida repetidamente por un individuo con síndrome de Tourette.

Por otra parte, gran parte del relato se torna un explícito planteo de introspección, individualismo y marginación personal de Christian, más propio de una conducta misántropa, que según algunos críticos, lo asemeja al cine de Lars von Trier o al de Michel Haneke.

Rubén Östlund utiliza con gran eficacia un humor corrosivo, absurdo y sinuoso que lo aleja claramente de lo políticamente correcto. No es nada sutil en conformar y exteriorizar su opinión sobre un sistema de valores sociales desiguales, extrema superficialidad y aprovechamiento del arte y clases sociales que transitan y derrochan hipocresía en su comportamiento.

El director logra actuaciones notables por parte de todos los personajes ya nombrados, estéticamente y musicalmente está muy lograda y la película recibió numerosos premios, entre ellos, la Palma de Oro (principal premio) de Cannes, el Premio del cine Europeo y el David de Donatello en Italia.

Años después, Östlund, volvió a interpelar a la sociedad, con “El triángulo de la tristeza” (2022), un caótico alegato sobre la diferencias de clases y de género en tiempos modernos. Es, indudablemente, un creador que está en permanente estado de reflexión sobre los orígenes de los males que impactan en Occidente.

Esta función de acceso libre y gratuito se realiza en el marco del ciclo “Kiné”. El ciclo cinematográfico coordinado por Jazmín Solano, este año tiene la particularidad de presentar cada mes una película, que se destaca por su originalidad y rareza con respecto a su ubicación en la historia del cine.

“La brujería a través de los tiempos”

Mezclando el documental y la ficción dramática, la película descubre la relación de los hombres de la Edad Media (su actitud y la proliferación de brujos y brujas) con algunas situaciones modernas de los años veinte. Un repaso al mundo del ocultismo, la magia negra y la brujería, a través de varios siglos, para dibujar un panorama que puede resultar tan fascinante como estremecedor. Película parcialmente basada en un manual alemán para inquisidores del siglo XV.

La película, dirigida por Santiago Mitre y protagonizada por Ricardo Darín, se centra en un abogado que intenta exponer la corrupción dentro del gobierno de Argentina en 1985.

La proyección se enmarca dentro de las actividades que se llevan a cabo en todo el país en el Mes de la Memoria, que busca recordar y honrar a las víctimas de la última dictadura militar argentina y promover la reflexión sobre la importancia de la democracia y los derechos humanos.

El evento es de entrada libre y gratuita, y está organizado por la UTN Regional Concordia, en colaboración con la comunidad local y diversas organizaciones sociales. La proyección de �SArgentina, 1985⬝ es una oportunidad para conocer más sobre un momento crucial en la historia de Argentina y reflexionar sobre la importancia de defender y promover la democracia y los derechos humanos en todo momento y lugar.

El thriller está basado en hechos reales: mostrará las claves del Juicio a las Juntas Militares, y también el rol de las familias de los fiscales durante el proceso judicial. En el elenco también participan Alejandra Fletchner como la esposa de Julio César Strassera y Carlos Portaluppi como León Arslanian, presidente del tribunal.

El rodaje se reanudó en marzo de este año, aunque la idea de esta producción comenzó a gestarse en 2018. Ricardo Darín dejó crecer su pelo y el bigote para parecerse al fiscal Julio César Stassera, quien llevó a la condena a los comandantes de la dictadura y murió en 2015.

El filme se enfocará en el �SNuremberg Argentino⬝ nombre con el que se reconoció el proceso judicial en la Argentina, que concluyó con las condenas a Jorge Rafael Videla y a Emilio Massera a cadena perpetua, mientras que Roberto Viola recibió una condena de 18 años, Armando Lambruschini de 3 años y tan solo 9 meses para el brigadier Orlando Agosti. El fiscal Strassera había seleccionado 300 casos de denuncias de desapariciones y torturas recogidos por la CONADEP (Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas). Más tarde ejerció el cargo de embajador en la Comisión de Derechos Humanos de las Naciones Unidas. Después de 10 años, renunció cuando los militares juzgados y acusados por él recibieron el indulto durante el gobierno peronista de Carlos Menem.

Los hinchas de Boca podrán disfrutar en unos pocos meses del documental que relatará la historia de la Bombonera, el mítico estadio que es ponderado a nivel mundial y considerado templo durante cada fin de semana por los fanáticos. �SBombonera, la película⬝, se comenzó a rodar a partir de septiembre pese a las limitaciones que generó la pandemia del coronavirus. Se ultiman detalles y se planifica que el 25 de mayo de 2021, fecha de su aniversario número 81, será su estreno. Ahora salió el tráiler oficial.

El largometraje contará con la participación de viejas glorias del club y estrellas de talla internacional que alguna vez mostraron su empatía con la cancha. El hilo conductor será la opinión y entrevistas de los ídolos xeneizes que narrarán las grandes epopeyas vividas en su campo de juego. Su origen, los partidos más memorables y momentos más emblemáticos. En paralelo, la película contará con una historia de ficción relacionada a la mística de la Bombonera, interpretada por el protagonista de la película Sebastián Sellaro y la entrevistadora Mayra Ferrari.

Se pactaron mano a mano con los emblemas futbolísticos más reconocidos del Mundo Boca (todos ex futbolistas del club), mientras que en Europa también habrá nombres rutilantes como Daniele De Rossi, Marco Materazzi y Vicente Del Bosque, que serán abordados por el periodista italiano Roberto Colombo.

La particularidad es que los simpatizantes boquenses también tendrán su lugar como protagonistas principales: hinchas de todo el país contarán sus mejores anécdotas y momentos en la cancha. En principio, las entrevistas con los fanáticos seleccionados serán también en la Bombonera y algunos de ellos cumplirán el sueño de visitarla por primera vez.

En enero se completará el proceso de recopilación de historias que representan la pasión y amor hacia la Bombonera, con gente de cualquier rincón de Argentina, género y rango de edad. A través de una dirección de mail, los hinchas se autopostularon para figurar en escena. Concluida esa etapa, se llevarán a cabo las entrevistas con los ex y actuales futbolistas de Boca.

La película fue producida por la productora Puerto 00 y contó con el apoyo y trabajo en conjunto del Club Atlético Boca Juniors. La dirección y guión estuvo a cargo de Leandro Baquela, quien también dirigió 51 por ciento, el documental que trata la final intercontinental del 2000 entre Boca y Real Madrid (a la vez planifica uno de Sebastián Battaglia que quedó pospuesto por el momento). Su lanzamiento será a través de una plataforma de streaming.

�SAhí estás, como siempre, queriendo volver a casa. Porque sabés que no hay un lugar mejor, porque sabés que somos diferentes. Quizás deseás verla por última vez. Tal vez sueñes con el momento en que por fin puedas conocerla. O quizás quieras volver para despedirte de alguien. Enamorarte para toda la vida. Tal vez quieras sentir eso. Sentir lo que sintieron ellos, nuestros ídolos, héroes, nuestros guerreros. Luchar por tus sueños y volver a ver al amor de tu vida. Se acerca el tiempo, es hora de volver a casa⬝.

(Infobae)