Participaron artistas entrerrianos de distintas localidades. Organizó la Secretaría de Cultura de la provincia, con acceso libre y gratuito.El secretario de Cultura de Entre Ríos, Julián Stoppello, destacó que es necesario “seguir construyendo una cultura entrerriana federal, activa y participativa, uno de los ejes de gestión que seguimos junto al ministro de Gobierno, Manuel Troncoso. Esto es, tener la presencia de artistas de distintas localidades, una agenda permanente y promover el acceso de la ciudadanía a los bienes culturales de la provincia”.La muestra de arte se titula “Del taller a la sala. Formas de la convivencia” y reúne obras de Carla Britos (Villaguay), Gabriel Benedetti (Gualeguay), Agueda Guarneri (Paraná) y Miguel Ángel Vesco (Paraná). Estará disponible hasta el 9 de mayo.Además participaron de la feria de arte y objetos: Pablo Durán, Laboratorio de estampas, Clorinda Mateos, Croquiseros de Paraná, Mariela Pacheco Albornoz, Eleonora Pagotto, El Equipo Azul Juegos de Mesa, VZZ Lámparas de autor, Asiain Objetos, ile Green obra y La Botica Acuarelas.Esta propuesta forma parte de CUAC! Cultura Activa, una agenda anual de eventos, encuentros y convocatorias, que la Secretaría de Cultura de Entre Ríos desarrolla en toda la provincia.

Sobre AURAEs un lugar de innovación y desarrollo artístico que tiene como misión impulsar las artes visuales contemporáneas entrerrianas y desarrollar políticas de mediación con la comunidad, integrando nuevos lenguajes. Fue creado como un programa especial aprobado por resolución 338/24 de la Secretaría de Cultura de Entre Ríos, durante la actual gestión.

La muestra de arte se titula “Del taller a la sala. Formas de la convivencia” y reúne obras de Carla Britos (Villaguay), Gabriel Benedetti (Gualeguay), Agueda Guarneri (Paraná) y Miguel Ángel Vesco (Paraná). Estará disponible hasta el 9 de mayo.

Además participarán de la feria de arte y objetos: Pablo Durán, Laboratorio de estampas, Clorinda Mateos, Croquiseros de Paraná, Mariela Pacheco Albornoz, Eleonora Pagotto, El Equipo Azul Juegos de Mesa, VZZ Lámparas de autor, Asiain Objetos, ile Green obra y La Botica Acuarelas.

Sobre AURAEs un lugar de innovación y desarrollo artístico que tiene como misión impulsar las artes visuales contemporáneas entrerrianas y desarrollar políticas de mediación con la comunidad, integrando nuevos lenguajes. De esta manera, se avanza en un doble objetivo: seguir federalizando la cultura provincial y promover el acceso de la ciudadanía a los bienes culturales y patrimoniales entrerrianos. Fue creado como un programa especial aprobado por resolución 338/24 de la Secretaría de Cultura de Entre Ríos, durante la actual gestión.

Dos obras inéditas del pintor francés Claude Monet reaparecieron tras permanecer más de un siglo fuera del circuito público y serán subastadas el 16 de abril de 2026 en Sotheby’s París, con estimaciones que superan los 10 millones de euros por ambos cuadross.Se trata de Les Îles de Port-Villez (1883) y Vétheuil, Effet du Matin (1901), dos lienzos que habían permanecido durante 115 años en colecciones privadas. Según especialistas del mercado, su reaparición constituye uno de los acontecimientos más relevantes del año en el ámbito del arte internacional, tanto por su valor económico como por su importancia histórica y su estado de conservación.La primera de las obras fue realizada poco después de que Monet se instalara en Giverny, donde desarrolló una técnica basada en pintar desde su barca sobre el río Sena. La escena retrata una isla boscosa frente al pueblo, con pinceladas enérgicas en verdes y azules. Aunque el artista produjo apenas media docena de vistas de esa zona, este cuadro no se exhibía públicamente desde comienzos del siglo XX, cuando pasó por la galería del marchand Paul Durand-Ruel en Nueva York.Especialistas de Sotheby’s destacan que esta etapa marcó una consolidación en la libertad compositiva de Monet, quien exploró nuevos encuadres y efectos atmosféricos. La obra tiene una estimación de entre 3 y 5 millones de euros.Por su parte, Vétheuil, Effet du Matin refleja la evolución del artista casi dos décadas más tarde. Pintada en 1901, la obra presenta una vista panorámica del Sena con un tratamiento más experimental de la luz y el color. De mayor formato y vinculada a una serie de quince piezas, evidencia una madurez técnica que los expertos asocian con la etapa final del pintor. Su valor estimado oscila entre 6 y 8 millones de euros.El interés por estas piezas se enmarca en la sostenida demanda por Monet en el mercado global. El récord del artista se mantiene desde 2019, cuando su obra Meules (1890) alcanzó los 111 millones de dólares en una subasta en Nueva York.La aparición de trabajos inéditos de Monet es cada vez más infrecuente, especialmente aquellos realizados en la década de 1880, habitualmente resguardados en museos. En ese contexto, la subasta en París anticipa una fuerte competencia entre coleccionistas y refuerza la vigencia del impresionismo en el mercado internacional.  NA

En el marco del 50° aniversario del golpe cívico-militar de 1976, el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado presenta una serie de propuestas que articulan arte, memoria y reflexión colectiva. Las iniciativas —que incluyen una instalación sonora, una muestra histórica y una exposición de arte contemporáneo— proponen distintas formas de habitar el pasado reciente y pensar su vigencia en el presente democrático.

Una de las experiencias centrales es Los Presentes, del artista Nicolás Varchausky, una instalación performática en la que un piano híbrido traduce en sonido los nombres de las víctimas del terrorismo de Estado inscriptos en el Monumento. A partir de un sistema que asigna una nota a cada letra, la obra convierte la nómina en una partitura en constante ejecución. Durante varios días, el instrumento reproduce de manera continua esta secuencia, replicando el orden original de los nombres —por año y alfabéticamente— y expandiéndolos al plano audible. Hacia el final de cada jornada, pianistas en vivo reemplazan al dispositivo, intensificando la dimensión humana de la obra.

La propuesta invita a una escucha sostenida, casi ritual, en el Día Nacional de la Memoria por la Verdad y la Justicia. En ese gesto, escuchar se vuelve una forma de presencia: los nombres, repetidos y transformados en sonido, emergen como una memoria activa que rehúye la clausura.En paralelo, la exhibición Señores Jueces, Nunca Más. Del juicio a las Juntas Militares al presente, realizada junto a Memoria Abierta, reconstruye el proceso judicial iniciado en 1985 contra los responsables de la dictadura. A través de documentos, testimonios, fotografías y obras de arte, la muestra propone revisar el Juicio a las Juntas como un acontecimiento fundacional, no sólo en términos jurídicos, sino también éticos, culturales y políticos.

Lejos de una mirada lineal, la exposición subraya las tensiones, avances y retrocesos que marcaron el camino de la justicia en Argentina, destacando el rol clave de los organismos de derechos humanos y de los sobrevivientes. En ese sentido, el recorrido no sólo revisita el pasado, sino que interpela el presente, reafirmando la necesidad de sostener el legado del Nunca Más frente a nuevos desafíos democráticos.

Por su parte, la muestra Hay cuerpos, con curaduría de Laura Casanovas, reúne obras de artistas contemporáneas que exploran las múltiples dimensiones de la corporalidad. A través de materiales como el textil, la cerámica, el dibujo y el video, las piezas cuestionan asociaciones tradicionales —como la de lo blando con la debilidad— y proponen nuevas formas de sensibilidad y resistencia.

Las obras de Marina De Caro, Nushi Muntaabski, Ariadna Pastorini, Cristina Schiavi y Eugenia Streb construyen un universo donde los cuerpos se fragmentan, se agrupan, resisten y se transforman, en diálogo con un contexto atravesado por violencias tanto físicas como simbólicas. La exposición plantea así una reflexión sobre la visibilidad, la vulnerabilidad y la potencia de los cuerpos en el presente.

A medio siglo del golpe, las tres propuestas confluyen en una misma pregunta: cómo recordar sin inmovilizar, cómo transmitir sin clausurar. En el Parque de la Memoria, la respuesta se ensaya en clave artística, donde el pasado no se fija como un relato cerrado, sino que se activa —una y otra vez— en la experiencia compartida.  (NA)

Con entrada libre y gratuita, organiza la Secretaría de Cultura de Entre Ríos.

Entre pixeles, materia y pinceles, es una experiencia sensorial sobre el río Paraná y la fusión de lo material digitalizado en corrientes de color, materias, pigmentos, luces y sombras. La muestra de Alejandra Peñalba y Desi Darrichón se podrá visitar hasta el 28 de febrero inclusive en la Sala Expandida de la Casa.

El río nos une y Habitar lo cotidiano, consiste en un diálogo entre el espacio ribereño y la trama urbana como ámbitos de construcción identitaria. La exhibición de fotografías de Cynthia Fistraiber se podrá visitar en la Sala Madera de la Casa, hasta el 6 de marzo.

La Sala Expandida es un espacio destinado a artistas de la provincia que exhiben sus creaciones combinando formatos bidimensionales, objetos, ambientes sonoros y proyecciones. El lugar se presenta como una vidriera para la difusión de la obra artística provincial.

La Sala de Madera es otro de los espacios activados en el edificio provincial durante el 2025, donde ya se realizaron distintas muestras y exposiciones de artistas entrerrianos.

Ambas propuestas, que se pueden visitar en los horarios de apertura de la Casa, forman parte de CUAC! Cultura Activa Verano, una agenda que la Secretaría de Cultura de Entre Ríos desarrolla durante la temporada en distintas localidades de la provincia.

En 2015, un equipo internacional de arqueólogos identificó en una cueva de la isla de Muna, al sureste de Sulawesi, Indonesia, una de las evidencias más antiguas de arte rupestre realizadas por humanos. Se trata de una plantilla de mano con un dedo estilizado en forma de garra, cuya antigüedad mínima fue estimada en 67.800 años, un registro que modificó el conocimiento sobre el origen del arte y la capacidad simbólica humana.Según un artículo de National Geographic, el hallazgo se produjo en la cueva Liang Metanduno, un sitio conocido por los habitantes locales por sus pinturas prehistóricas de figuras humanas, embarcaciones y animales, realizadas con pigmentos rojos y marrones. Hasta entonces, se creía que esas representaciones tenían apenas unos pocos miles de años. La investigación fue encabezada por el arqueólogo indonesio Adhi Agus Oktaviana, de la Agencia Nacional de Investigación e Innovación de Indonesia (BRIN), junto con el explorador de National Geographic Maxime Aubert, arqueólogo y geoquímico de la Universidad Griffith de Australia. Para determinar la antigüedad de las pinturas, el equipo aplicó una técnica innovadora de datación por ablación láser de la serie del uranio, que permite analizar microscópicos depósitos de carbonato formados sobre los pigmentos de ocre. Los resultados del estudio fueron publicados en enero en la revista Nature y mostraron que la plantilla de mano de Muna era unos 16.600 años más antigua que el arte rupestre previamente documentado en Sulawesi y aproximadamente 1.100 años anterior a las plantillas de manos halladas en España, algunas de ellas atribuidas a neandertales. Para los investigadores, el hallazgo aportó evidencia clave sobre el desarrollo cognitivo temprano de los humanos modernos en el archipiélago indonesio durante el Pleistoceno tardío. La modificación intencional de la silueta de la mano para transformarla en una garra fue interpretada como una muestra de pensamiento abstracto y capacidad simbólica avanzada. El equipo también logró datar plantillas de manos en otras cuevas de la región, con edades que oscilaron entre los 44.500 y los 20.400 años. Estos datos sugirieron la existencia de una tradición artística sostenida durante decenas de miles de años, incluso durante el último máximo glacial, cuando el nivel del mar era más bajo y gran parte del sudeste asiático formaba la masa continental conocida como Sondalandia. Los investigadores sostuvieron que estos descubrimientos cuestionaron las visiones eurocéntricas que ubicaban el surgimiento de la modernidad cognitiva exclusivamente en Europa. Además, el arte rupestre de Indonesia aportó pistas fundamentales sobre las rutas migratorias de los primeros humanos que, hace unos 65.000 años, cruzaron mares abiertos para llegar a Australia. En una región donde los restos humanos del Pleistoceno son escasos, las pinturas rupestres de Muna se consolidaron como una de las principales fuentes de evidencia sobre la presencia humana temprana. Para los científicos, estas imágenes funcionan como una ventana excepcional al pensamiento, la imaginación y las capacidades tecnológicas de los primeros pobladores del sudeste asiático. #AgenciaNA 

La actividad permitió compartir con la comunidad el trabajo desarrollado a lo largo del año y visibilizar la propuesta educativa de la escuela, promocionando además que las inscripciones para el ciclo lectivo 2026 están abiertas.En esta oportunidad, las muestras estuvieron dedicada a los instrumentos de viento, con interpretaciones a cargo de alumnos y alumnas que demostraron los aprendizajes alcanzados en sus trayectorias formativas. La propuesta convocó a transeúntes y familias, generando un espacio de encuentro entre el arte, la educación y el espacio público.La Escuela de Arte en Música funciona en el turno tarde, de 14 a 20, en el Colegio Nacional Domingo Faustino Sarmiento, ubicado en Buenos Aires 484 en Paraná. Ofrece Formación Artística Básica (FAB) y Formación Artística para la Industria Cultural (FAPIC) en trompeta, trombón, flauta traversa, clarinete, corno francés, saxofón, bajo eléctrico, percusión, guitarra y canto. Además, cuenta con Talleres Infantiles destinados a niñas y niños de entre 5 y 11 años.Las propuestas formativas se organizan en talleres infantiles (de 5 a 11 años), formación básica a partir de los 12 años y formación avanzada (FAPIC) desde los 15 años, sin límite de edad. Las clases comienzan en el mes de marzo y se desarrollan conforme al calendario académico del CGE.De cara al próximo ciclo lectivo, la institución proyecta superar los 300 estudiantes matriculados en 2026, lo que da cuenta del crecimiento sostenido y del interés de la comunidad por la formación artística musical.Las inscripciones y lista de espera continúan abierta, los interesados pueden registrarse en los siguientes links https://n9.cl/m0vyz para talleres infantiles y https://n9.cl/ykequv para carreras desde los 12 años.La escuela tuvo su origen en 2015, a partir de un proyecto impulsado por la Asociación “Amigos de la Banda de Música Infanto Juvenil Entrerriana”, que propuso al Consejo General de Educación la creación de una Escuela Banda, iniciativa que hoy se consolida como un espacio clave para la educación artística en la provincia.

Hazan, ligado al arte desde su infancia, recuerda sus primeros pasos en las artes visuales municipales allá por 1957, cuando asistía a clases en un segundo piso entonces deshabitado y guiado por un profesor sordo cuyo recuerdo aún conserva. Más tarde formó parte de la banda infantil, y exploró el tallado y la pintura antes de seguir, por mandato familiar, el camino de la ingeniería.

Sin embargo, incluso mientras estudiaba Ingeniería en Rosario, volvió a acercarse al mundo artístico a través de la Escuela de Bellas Artes de la Cooperativa Constancio C. Vigil, un espacio cultural de gran relevancia que funcionó hasta la dictadura. Allí nació su primer atelier y, con él, el conflicto entre la vocación artística y la carrera profesional. “Tuve miedo. No me animé a dejar ingeniería”, reconoce.

Con el paso de los años encontró en el telar una nueva forma de expresión. Comenzó elaborando figuras a partir de fotografías —una herramienta que utiliza de manera recurrente— y desarrolló tapices que hoy conforman la columna vertebral de esta muestra. Las obras expuestas representan vivencias personales, viajes, paisajes y momentos que lo marcaron. “Son parte de mi vida”, afirma.

Sólo tres tapices fueron realizados especialmente a pedido de la Municipalidad, con temáticas icónicas de Concordia: la Catedral de San Antonio, el Palacio San Carlos y el Palacio Arruabarrena. Para estas piezas, Hazan trabajó meticulosamente técnicas de bordado que le permitieron simular materiales como la teja francesa o la piedra, utilizando puntos específicos para recrear texturas.

Una particularidad de sus trabajos es que están bordados sobre una tela similar a un mosquitero, cuyos pequeños orificios facilitan la composición de las imágenes con mayor precisión que el telar tradicional. El proceso es arduo: cada tapiz demanda aproximadamente un mes de trabajo intensivo, muchas veces con fines de semana completos dedicados exclusivamente a la creación.

Aunque sigue trabajando como ingeniero hasta fin de año, ya proyecta dedicarse plenamente al arte textil tras su jubilación. “Le estoy poniendo mucha garra y mucha fuerza. Me apasiona lo que hago”, afirma.

 El evento tendrá lugar en el auditorio de la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, ubicado en Olga Cossettini 141, en el barrio de Puerto Madero, y se desarrollará en horario matutino, de 9:00 a 13:00.El encuentro es organizado por la Dirección Nacional de Bienes y Sitios Culturales, con el acompañamiento del Centro Cultural de España en Buenos Aires - AECID de la Embajada de España en Argentina y del Museo Nacional de Bellas Artes. A lo largo de las dos jornadas se presentarán ponencias, experiencias y estudios vinculados con los procesos de registro, documentación y conservación de obras de arte en un contexto en el que los materiales, soportes y lenguajes artísticos plantean desafíos específicos.La inscripción permanecerá abierta hasta el 22 de septiembre y se realizará exclusivamente a través del formulario en línea. Las vacantes son limitadas a 130 participantes y la confirmación de cupo será comunicada por correo electrónico antes del 23 de septiembre. La actividad es gratuita y está destinada a un público amplio dentro del campo artístico y cultural, ya sean especialistas en museología y conservación, artistas, coleccionistas, estudiantes de carreras afines o trabajadores de instituciones vinculadas al patrimonio.Este espacio busca fortalecer el intercambio de experiencias entre diferentes actores del sector cultural y académico, poniendo el foco en la necesidad de articular criterios comunes para la preservación de un acervo en permanente transformación. Las discusiones abarcan la conservación de las obras en sentido material y los modos de documentar y registrar prácticas artísticas que incluyen performances, instalaciones, soportes digitales o materiales no tradicionales.Para consultas, comunicarse a enacargentina@gmail.com

Esta segunda entrega convoca a artistas de todo el país a presentar sus obras con el objetivo de dar visibilidad, acompañamiento curatorial y un premio económico. El llamado se extiende hasta el 3 de septiembre y culminará con una exposición colectiva en noviembre de 2025 en la sede de la galería, ubicada en Montevideo 1723, ciudad de Buenos Aires.La iniciativa forma parte del compromiso con el arte emergente y busca afianzar un espacio de diálogo entre generaciones de creadores, apuntando a producciones que establezcan vínculos con artistas argentinos surgidos en los años 2000. Esta orientación tiene como fin destacar aquellos lenguajes, estéticas y temáticas que dialoguen con las transformaciones culturales y tecnológicas de las últimas décadas. La selección de obras se hará a través de un jurado especializado, cuya conformación completa será anunciada en los canales digitales de la galería.La propuesta está dirigida a artistas que deseen presentar hasta dos trabajos, ya sean obras finalizadas o bocetos en proceso, dentro de un amplio abanico de formatos: desde escultura, pintura, grabado y fotografía, hasta instalaciones, videoarte, performance y propuestas interdisciplinarias. Se valorarán especialmente aquellas producciones que puedan ser comercializadas y que se ajusten tanto al espíritu de la convocatoria como a las condiciones físicas del espacio expositivo.La selección de las obras pasará por varias instancias. Tras el cierre de la convocatoria, el 25 de septiembre se comunicarán los resultados, y las personas seleccionadas contarán con acompañamiento profesional para preparar la exhibición colectiva. Durante la apertura de la muestra en 2025 se anunciará a la persona ganadora del premio principal: un estímulo de 2.000 dólares, junto a la posibilidad de realizar una exposición individual en el calendario 2026 de la galería, con asesoramiento curatorial incluido.El reglamento de participación incluye una serie de requisitos técnicos y logísticos que los postulantes deben tener en cuenta. En el caso de obras tecnológicas, será responsabilidad de los autores proveer los dispositivos necesarios para su exhibición. Si una obra exige la presencia del artista para su montaje, este compromiso deberá estar garantizado desde el momento de la postulación. Asimismo, cada participante deberá hacerse cargo del traslado y embalaje de sus piezas, tanto en el montaje como en el desmontaje. Las obras no retiradas dentro de los seis meses posteriores a la exposición quedarán a disposición de la galería.El jurado de selección estará conformado por la curadora Natalia Albanese Gisbert, Clara Ríos y otras figuras reconocidas del ámbito artístico nacional. Este comité podrá seleccionar la cantidad de obras que considere adecuada según la disponibilidad del espacio, y nombrar dos suplencias por si alguna de las propuestas elegidas no pudiera participar.Una vez inaugurada la exposición, las obras quedarán disponibles para su comercialización exclusiva por parte de Miranda Bosch, tanto durante la muestra como durante los seis meses posteriores a su cierre. La galería asumirá el diseño y ejecución del montaje, aunque se alienta la colaboración activa de los artistas en las tareas de instalación y retiro. Además, quienes participen deberán autorizar la difusión de sus piezas en redes sociales y plataformas digitales de la institución.La aplicación se realizará exclusivamente en formato digital. A través de un formulario online, los aspirantes deberán cargar datos personales, imágenes o videos de las obras, enlaces (en caso de tratarse de piezas audiovisuales o sonoras), además de una descripción técnica detallada y una justificación conceptual. Se permite subir hasta cinco imágenes por trabajo, y los enlaces a plataformas deberán incluir contraseña de acceso si fuera necesario.Por consultas, comunicarse al correo electrónico arte@mirandabosch.com

La actividad cuenta con el respaldo del Centro Cultural de España en Buenos Aires - AECID de la Embajada de España en Argentina y del Museo Nacional de Bellas Artes.El encuentro tiene como propósito reunir a especialistas, investigadores, estudiantes y trabajadores del campo cultural para compartir conocimientos, experiencias y propuestas en torno a las prácticas de registro, documentación y conservación del arte contemporáneo. En esta nueva edición, se vuelve a incorporar el espacio “Ideas en escena”, una sección compuesta por presentaciones breves que se exhibirán de manera virtual mediante un video grabado previamente. Quienes participen de esta propuesta dispondrán de un máximo de siete minutos para exponer sus trabajos. Estas contribuciones serán publicadas a través del canal oficial del Museo Nacional de Bellas Artes en YouTube, ampliando así el acceso y la difusión de los contenidos.Las presentaciones deberán abordar alguno de los seis ejes temáticos definidos para esta edición. Entre ellos se encuentran:1) Innovación digital en el arte contemporáneo y en los museos: retos y oportunidades en la aplicación de nuevas tecnologías para el registro, la conservación y la exhibición de obras de arte  contemporáneo; uso del blockchain para certificados de autenticidad, trazabilidad y preservación digital.2) Autenticidad y autoría en el arte contemporáneo: nuevos paradigmas sobre la autoría de obras de arte contemporáneo a partir de la creación colaborativa con IA, la acuñación NFT; el rol del “prosumidor”.3) Arte indígena contemporáneo: estrategias para su documentación y exhibición, y desafíos legales en las creaciones individuales y colectivas de arte contemporáneo en comunidades indígenas.4) Conservación de arte digital y media art: avances, logros y nuevos desafíos frente a la obsolescencia tecnológica, manejo de plataformas digitales especializadas.5) Sustentabilidad en la Conservación de arte contemporáneo.: innovaciones y nuevas estrategias en tecnologías, materiales y metodologías. Nuevas prácticas en el uso y consumo de materiales de conservación, de exhibición y guarda. Desafíos de conservación de nuevos materiales.6) Conservación preventiva con enfoque sustentable: nuevos parámetros en la climatización. Desarrollo de nuevas metodologías sustentables para afrontar desafíos climáticos.Idioma: La presentación puede realizarse en español o en idioma extranjero. En este último caso el video a presentar deberá incluir subtítulos en español.El envío de propuestas está abierto a personal de instituciones culturales públicas o privadas, profesionales con experiencia o formación en los temas del encuentro, y a estudiantes avanzados de carreras afines. Para participar, es necesario completar un formulario antes del jueves 31 de julio a las 23:55, incluyendo un resumen de entre 250 y 400 palabras. El mismo debe detallar los objetivos del trabajo, su metodología, los resultados obtenidos, las conclusiones y su relación con los ejes temáticos propuestos.El resumen deberá incluir también un título, hasta cinco palabras clave, y una justificación que explicite su vinculación con el Encuentro. Solo se aceptarán trabajos originales que no hayan sido presentados previamente en revistas o en otros eventos. El número máximo de autores por trabajo es de seis, incluyendo a quienes realizarán la exposición. Se admitirán hasta dos expositores por propuesta seleccionada.La participación como expositor es gratuita, y la selección de propuestas estará a cargo de un comité integrado por representantes de la Dirección Nacional de Bienes y Sitios Culturales y del Museo Nacional de Bellas Artes. La decisión del comité será inapelable y será comunicada por correo electrónico a partir del martes 12 de agosto.La aceptación de la propuesta implica el compromiso de presentar el video en el Encuentro y de autorizar su publicación en las actas digitales del ENAC 2025, que contarán con ISBN. Todos los certificados serán enviados por correo electrónico en un plazo de hasta 15 días posteriores al evento. Solo recibirán certificado quienes efectivamente expongan sus trabajos.Para obtener más información o realizar consultas, comunicarse a través del correo electrónico enacargentina@gmail.comInscripción: https://share.google/lJEEiJJKdAyuVej8b

Durante tres jornadas, Chajarí se convertirá en un espacio de encuentro para la comunidad artística entrerriana, con una agenda que incluirá conversatorios, talleres, exposiciones y presentaciones en distintos puntos de la ciudad. El objetivo principal será generar vínculos entre los y las artistas y la comunidad, ofrecer instancias de formación y visibilizar la riqueza cultural de la provincia.En la presentación del encuentro, el ministro de Gobierno y Trabajo, Manuel Troncoso, destacó el valor estratégico de construir políticas culturales con anclaje territorial, reconociendo a la cultura como una expresión identitaria profunda que debe estar al alcance de todos, sin importar su origen o condición social. "La cultura no tiene precio, es expresión del alma, y todos tenemos algo para decir", afirmó.Subrayó, además, la importancia de descentralizar las políticas públicas y fortalecer la expresión cultural de la provincia, saliendo del círculo concentrado en las grandes ciudades. Valoró especialmente la articulación lograda con el equipo de Cultura provincial y con el Municipio de Chajarí, señalando que la comunidad artística y los vecinos serán los verdaderos protagonistas del encuentro.Por su parte, el secretario de Cultura, Julián Stoppello, indicó que se trata del primer encuentro provincial de este tipo en el campo de las artes visuales: "Quisimos ampliar esta gran oportunidad de que los artistas se puedan encontrar en un espacio de visibilización, pero también de intercambio, de multiplicación de experiencias y conocimientos, con la posibilidad de vincularse". A su vez, señaló que esta iniciativa se enmarca en una política clara del gobernador Rogelio Frigerio y del ministro Troncoso de federalizar la actividad cultural. "Desde que empezamos la gestión apuntamos a eso. Todos los programas de la Secretaría tienen itinerancia y el corazón de nuestra propuesta son estos encuentros entrerrianos, porque si tienen continuidad y solidez van a generar cosas muy buenas para todos los artistas y para toda la provincia", expresó.Por su parte, el intendente de Chajarí, Marcelo Borghesan, compartió su orgullo por recibir este evento que potenciará a la ciudad como un espacio de creatividad y construcción colectiva. "Agradezco a la Secretaría de Cultura de la provincia por haber elegido a Chajarí como anfitriona de este encuentro tan importante. Es un orgullo y una oportunidad de visibilizar nuestra cultura en toda la provincia, vamos a estar invitando a todo Entre Ríos a que venga esos días a Chajarí a disfrutar".Participaron de la presentación la diputada provincial Gabriela Lena, funcionarios municipales y artistas. 

El evento es organizado por la Dirección Nacional de Bienes y Sitios Culturales y cuenta con el apoyo del Centro Cultural de España en Buenos Aires - AECID, dependiente de la Embajada de España en Argentina y también del Museo Nacional de Bellas Artes.Este año, el ENAC incluirá una convocatoria abierta a presentaciones breves que se integrarán a los bloques titulados “Ideas en escena”, pensados como un espacio para la exposición de propuestas innovadoras y enfoques interdisciplinarios. Las presentaciones se realizarán de manera exclusivamente virtual, mediante un video pregrabado con una duración máxima de siete minutos. Dichos videos serán difundidos a través del canal oficial de YouTube del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA Digital), como aspecto que apunta a ampliar el alcance del evento y facilitar el acceso a una audiencia más grande.La convocatoria está dirigida a personal de instituciones culturales, públicas o privadas, y a profesionales con experiencia en la materia, estudiantes avanzados de carreras afines y personas que desarrollen investigaciones relevantes en los temas propuestos. Las propuestas deberán ser enviadas antes del 31 de julio a las 23:55 a través de un formulario web que incluye un resumen del trabajo, el cual debe estar redactado en español y contener entre 250 y 400 palabras. Los resúmenes deben ser originales, no haber sido presentados previamente en otras instancias, y deberán incluir una justificación clara de su vinculación con alguno de los ejes temáticos del encuentro.Los ejes propuestos para esta edición abarcan una variedad de problemáticas actuales en el campo del arte contemporáneo, entre ellos se destacan la innovación digital en museos y en obras de arte, incluyendo el uso de tecnologías como blockchain para autenticación y preservación; los nuevos paradigmas en torno a la autoría artística, en especial frente a las creaciones colaborativas con inteligencia artificial y la circulación de NFTs; la documentación del arte indígena contemporáneo, con sus desafíos legales y culturales; la conservación del arte digital y media art, especialmente ante la rápida obsolescencia tecnológica; y la sustentabilidad aplicada tanto a los procesos de conservación como a la climatización de espacios expositivos, una preocupación creciente en el contexto de la crisis ambiental global.El Comité Evaluador del ENAC, integrado por representantes de la Dirección Nacional de Bienes y Sitios Culturales y del Museo Nacional de Bellas Artes, será el encargado de revisar las propuestas recibidas y seleccionar aquellas que formarán parte de los bloques “Ideas en escena”. Los resultados serán informados directamente a los postulantes a través de correo electrónico el martes 12 de agosto. La aceptación de una propuesta implica el compromiso de presentar el video correspondiente y autoriza su publicación en las actas digitales del encuentro, que contarán con ISBN.Cada trabajo podrá ser presentado por hasta dos personas, quienes recibirán su correspondiente certificado como ponentes dentro de los quince días posteriores a la realización del encuentro. En caso de que la presentación sea en un idioma extranjero, el video deberá incluir subtítulos en español.Para más información y consultas, comunicarse escribiendo al correo electrónico enacargentina@gmail.comInscripción: https://share.google/aG9UEYDW4IyJItTcn

La presidenta del CGE, Alicia Fregonese, y la coordinadora de Educación Artística, Evangelina Rodríguez, junto a docentes y padres, acompañaron la muestra de la que participaron 105 estudiantes en escena y 472 asistentes de 2do. ciclo de nivel primario y de 1er. y 2do. año de nivel secundario.En la función, la presidenta del CGE felicitó a los alumnos y docentes por el trabajo presentado en el escenario, que demuestra lo trabajado y aprendido a lo largo del año en las distintas ramas de la educación artística. "Trabajamos para una educación integral, de calidad y entendemos que el arte es un idioma que une corazones, tiende puentes, que nos permite reconocernos en el otro y con el otro", apuntó, tras asegurar que desde el CGE "tenemos un compromiso enorme con las expresiones artísticas".Por su parte, Rodríguez señaló que "la escuela de música, de danza y el coro infanto-juvenil brindaron un espectáculo de gran calidad, donde cada presentación fue reflejo del trabajo, la sensibilidad y la pasión que caracteriza a estos jóvenes artistas". Y agregó que el encuentro "reafirma el compromiso con una educación artística integral, que no solo forma intérpretes, sino también seres humanos sensibles, creativos y comprometidos con la cultura".Mostraron su arte estudiantes de la Escuela de Arte en Música, La Banda Infanto Juvenil de San Benito, la Escuela Municipal de Danza y el Coro de Jóvenes de la ciudad de San José, dependientes de la Modalidad de Educación Artística.Participaron además, estudiantes de las escuelas N° 3 Bernardino Rivadavia; secundaria N° 48 Congreso de Oriente; del Club Atlético Estudiantes (CAE); Instituto Siglo XXI; Galileo Galilei; Nº 3 Enrique Carbó; y la primaria de jóvenes y adultos William Morris.Las autoridades adelantaron que el próximo Encuentro se realizará en el mes de agosto, con una propuesta de Teatro para el nivel inicial, y distintos puntos de la provincia. 

Se confirmó desde la Secretaría de Cultura que los artistas entrerrianos tendrán el plazo de una semana más para postular sus proyectos en AURA. Las presentaciones se hacen efectivas a través de una convocatoria abierta y la carga del formulario en línea. Se recibirán proyectos hasta el 22 de febrero de 2025, inclusive.Los ejes temáticos, características del espacio, recursos disponibles y condiciones generales pueden consultarse en las BASES Y CONDICIONES, donde encontrarán alojado también el formulario de carga de postulación. Cabe destacar también que los proyectos deberán presentar activaciones en el transcurso de la exposición.Se pueden postular proyectos expositivos que incluyan las prácticas del sector de las artes visuales, integrando nuevos lenguajes (videoarte, textil, performance, instalación, arte digital) con las disciplinas tradicionales (pintura, cerámica, dibujo, escultura, grabado, etc). Además los proyectos podrán presentar vinculaciones con otros campos artísticos (música, danza, teatro, etc). Los proyectos pueden ser de carácter multidisciplinario y se podrán plantear como laboratorios de experimentación.

El Centro Experimental de Arte Contemporáneo Aura fue creado a partir de un programa especial de la Secretaría de Cultura de la Provincia, aprobado por resolución 338/24. Se propone como un espacio de innovación y desarrollo artístico que tendrá como misión impulsar las prácticas del sector de las artes visuales contemporáneas entrerrianas y desarrollar políticas de mediación con la comunidad, integrando nuevos lenguajes.

Más informaciónCorreo: ceacaura@gmail.comTeléfono: 343-4207828Página: www.entrerios.gov.ar/cultura/

Nacido el 6 de septiembre de 1930 en Buenos Aires, Chab fue hijo de inmigrantes sirios de origen judío que se establecieron en Argentina tras un breve paso por Cuba. Desde temprana edad, mostró una inclinación por la pintura, desarrollando su talento de manera autodidacta y asistiendo a diversos talleres, entre ellos el de Cecilia Marcovich y Demetrio Urruchúa.A los 17 años, recibió el Segundo Premio del XXVI Salón Anual de MEEBA por su obra “Manzana sobre mesa”, un reconocimiento que, sin embargo, no impidió que destruyera sus trabajos anteriores a su primera exposición individual. En 1952, influenciado por el surrealismo, realizó su primera muestra individual en Buenos Aires, presentando la obra “Diálogo”. Durante este periodo, conoció a Juan Andralis, lo que lo llevó a profundizar en el surrealismo y a aprender francés para leer a autores como André Bretón.Chab continuó explorando el surrealismo y la abstracción a lo largo de su carrera. En 1954, participó en la exposición “Seis pintores” junto a otros artistas como Roberto Aizenberg y Guillermo Berrier. En 1956, representó a Argentina en la XXVIII Bienal Internacional de Venecia, consolidando su presencia en el ámbito internacional. Durante los años siguientes, su obra evolucionó hacia una abstracción geométrica, influenciada por artistas como Paul Klee y Joan Miró.En 1957, formó parte del grupo “Siete pintores abstractos”, que incluía a figuras como Rómulo Macció y Clorindo Testa. Este grupo se integró al movimiento internacional Phases, promovido por el poeta y crítico Julio Llinás. A lo largo de la década de 1960, desarrolló la serie “Bestiario”, inspirada en el “Bestiario” de Julio Cortázar, caracterizada por formas abstractas con reminiscencias zoomórficas.Chab nunca dejó de experimentar con técnicas y materiales. En 1972, presentó la serie de monocopias “Nocturnas, aunque coloridas” en la sede de la OEA en Washington, y en 1974 comenzó a trabajar en dibujos a lápiz que exploraban la figura humana en espacios geométricos. Durante la década de 1980, retomó el collage, desarrollando obras que reflejaban su interés por los animales y los paisajes abstractos.A lo largo de su carrera, recibió numerosos premios, incluyendo el “Premio Franz Van Riel” en 1958 y el “Premio Internacional Rubén Darío” en 1967. Sus trabajos se encuentran en los acervos del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno y el Arte Contemporáneo de Buenos Aires; el Museo de Bellas Artes de Caracas, (Venezuela); Museo de Bellas Artes de Ponce, (Puerto Rico) y el Museum of Modern Art of Latin América. Washington, (Estados Unidos), entre muchos otros.Su obra, que abarca desde el surrealismo hasta la abstracción geométrica, refleja una constante búsqueda de nuevas formas de expresión artística.Fuente: Infobae 

Son obras hápticas, permitiendo que los cuadros sean percibidos tanto visualmente como a través del tacto, utilizando materiales diseñados para personas con discapacidad visual.“Las sensaciones y mis sentimientos son de agradecimiento, es una felicidad inmensa para mí, no puedo creerlo todavía. Lo que deseo es que la mayor cantidad de gente posible acceda a este arte ya que el arte logra sensibilizar y volvernos más empáticos que es lo que necesitamos”, esgrimió la artista plástica y autora de las obras Nely Delaloye.En ese sentido, el Presidente de la Delegación Argentina ante la Comisión Técnica Mixta de Salto Grande (CTM) Embajador Alejandro Daneri sostuvo que “nosotros coincidimos con los valores que recalcaron tanto Nely como Silvina. Desde CTM nos sentimos muy cómodos en estar apoyando este tipo de iniciativas porque las tenemos como propias”. Asimismo, recalcó que “la Delegación Argentina está comprometida a continuar realizando estas acciones”.Por último, Silvina Molina, coordinadora del Parque San Carlos, declaró: “Agradezco a la gestión local del Intendente Francisco Azcué, que apoya todas estas actividades culturales y artísticas que están vinculadas fuertemente con el turismo, la inclusión y el patrimonio, pero también, con la vinculación con otras instituciones”.Acompañaron el Delegado Argentino ante CTM Juan Carlos Chagas; el subsecretario de Educación Carlos Gatto; el director de Discapacidad Maximiliano Navarro Jaurena; las concejales Eliana Lagraña y Silvina Ovelar; representantes de Fuerzas Armadas y de Seguridad y público en general.

Jorge Eduardo García Bellezza, más conocido como “Waly” García, contó que “esta escuela tiene su génesis en la información que nos va proporcionando el Plan Relevar. Consideramos desde la Subsecretaría, la importancia trascendental de llegar a barrios históricamente marginados para permanecer y construir desde ese punto”, expresó.Adelantó que “la Escuela Municipal de Arte Integral contemplará la absorción de las diversas actividades artísticas que tengan que ver con música, con teatro, con pintura, con danza y con todas las diferentes expresiones” y precisó que “puntualmente tendrá su sede y siempre en pos de respetar la idea de acoplarse al Plan Relevar, en la Casa del Bicentenario”.Precisó que “se constituirán cuatro escuelas que van a tener como premisa la inserción cultural, permanente y definitiva en todas las comunidades barriales de nuestra ciudad. La idea es llegar adonde nunca se ha llegado para encontrar y formar nuevos talentos y explicarles que la profesión de artista es una profesión que, con la formación correcta, dignifica y te puede permitir vivir de lo que haces”, manifestó.Agregó que “consideramos fundamental que toda la comunidad artística entienda que por primera vez y gracias a una política de gobierno que realmente cree en lo que hace, vamos a construir cultura como una política de Estado”.Contó que “desde la subsecretaría se lleva a cabo con muchísimo éxito en audiencia el programa Soy Cultura, a través de la Radio Ciudadana, que cumple el rol de ser la voz autorizada por la subsecretaría para contar todos los proyectos que se están haciendo y que se harán a futuro”.Precisó que este proyecto comunicacional “vincula a la Subsecretaría con la comunidad, en cuanto a la parte informativa”.Dijo que allí se pueden plantear inquietudes o dudas y que a toda la información de la Subsecretaría se puede acceder a través de sus redes sociales. “Siempre hay una comunicación abierta con cualquier activo artístico que se quiera acercar a la subsecretaría. Acá la cultura es amiga y las puertas están abiertas, siempre entendiendo que la cultura hoy nos indica que nosotros tenemos que hacer base en los barrios”, finalizó.

La muestra “Siesta” es organizada por la Fundación La Portland y la Secretaría de Cultura de la Provincia de Entre Ríos y ofrecerá un recorrido significativo desde la perspectiva de cinco artistas que, a través de sus obras, buscan proyectarse al mundo. La apertura de la muestra será el 29 de agosto a las 12.30, en la sede de la Casa de la Provincia de Entre Ríos, en Suipacha 844, de Ciudad Autónoma de Buenos Aires.Victoria Ruíz Díaz, Inés Marcó, Lázaro Olier, César Bernardi y Francisco Vásquez son los artistas, integrantes del staff de La Portland, que participarán con “una variedad de trabajos que reflejan sus trayectorias y su evolución como referentes de las nuevas generaciones”, se detalla desde la fundación. A continuación, se explica que sus prácticas “abarcan diferentes formatos, ideas, referencias y materialidades, pero comparten ciertos elementos comunes: la creación de obras a gran escala con un asombroso nivel de detalle, y una profunda influencia del contexto regional que se manifiesta en las narraciones, los personajes y la identidad entrerriana, en especial su vínculo con el agua y el paisaje”.El texto curatorial, que dará contexto y guiará al público en la comprensión de la exposición, fue redactado por Analía Solomonoff, Directora del Museo Provincial de Bellas Artes “Rosa Galisteo de Rodríguez” de Santa Fe. En algunos de sus párrafos Solomonoff narra que “Siesta es una pausa en la jornada, es un lugar de posibles historias entrelazadas, es un camino por la ribera. Es la entrega a mirar otra geografía, un sistema de historias breves, de anhelos y la existencia de otros tiempos posibles. Surgen aquí narraciones sin límites, un sueño que imagina cosas y se despierta con luz para continuar su camino. Las obras son un intercambio de momentos, un ensayo de preguntarnos quiénes somos, una conversación con quien se acerque, o simplemente un lugar sutil y efímero, donde encontramos algún misterio sin respuesta”.Desde la organización informaron que la muestra finalizará el 30 de agosto. El evento también permitirá a los visitantes disfrutar del show musical del Dúo Juanca-Sedil, integrado por Juan Carlos Cavallaro en violín y Sedil Toledo en guitarra, prestigiosos intérpretes de reconocida trayectoria en la ciudad de Paraná. “Siesta” fue declarada de Interés Cultural por la provincia de Entre Ríos mediante la Res. 177/24 SCG.

Sobre Fundación La PortlandLa Fundación La Portland es una plataforma dedicada al arte contemporáneo entrerriano. Situada en Bajada Grande, el barrio de Paraná donde alguna vez operó una de las fábricas más prósperas de Argentina, la fundación se dedica a acercar las prácticas artísticas a la comunidad, promoviendo la apertura de obras, recorridos y proyectos de artistas de la provincia hacia el mundo. Este espacio de arte experimental colabora con otras instituciones para la realización de muestras, residencias, y programas educativos y culturales. 

En todas partes del mundo estuvo y está vigente el problema educacional y la historia nos demuestra que por medio del arte se pueden fermentar cambios positivos para el ser humano educándolo. Y vemos que desde siempre existió y estuvo presente e influyó en cada pueblo en cuerpo y alma, lo físico y lo espiritual.

Conceptos sobre el arteEl arte es la llave mágica que abre la entrada a los mundos interiores.A través del arte se puede conocer el alma de un pueblo porque el arte es el espejo donde reflejan sus pensamientos. En otras palabras el arte refleja el grado de potencia cultural y social de los pueblos; y lleva el mensaje a través de los siglos de donde nace en cuya entraña se nutre bajo cuyo cielo se inspira y se forma. Es un mensaje al porvenir. Todas las artes exigen a quien se dedica a ellas una gran disciplina de concentración, dominio de mente con una continua practica y estudio.Según Lifar Las artes están todas unidas de la mano, forman una numerosa familia en que cada una sigue caminos distintos pero al final se unen en el hecho artístico.

La danzaLa Danza es la síntesis de todas las artes porque en ella se encuentra expresión, movimiento, sonido, forma, colores, emociones, sentimiento y goce estético y es el idioma universal.Pienso que las artes son el preciado don que nos acerca a Dios. La música y la poesía existen en el tiempo, la pintura y la escultura en el espacio y la danza vive en el tiempo y en el espacio.La danza es la más antigua y expresa con su plasticidad la sutileza humana y la espiritualidad divina Si miramos la historia a grandes rasgos podemos deducir que la danza fue el primer arte que se realizó porque el hombre para poder vivir y sobrevivir debió alimentarse y para lograrlo comenzó a ejecutar movimientos imitativos para cazar su presa. Estos datos los encontramos en testimonios rupestres como los de las cuevas de Cogul.Tenían danzas rituales para pedir favores o agradecer a sus dioses. Este mismo cuadro se repite en todas las etapas de la historia antigua, pueblos como Egipto, Japón, India, donde el oriente difiere al occidente, en el presente bailan las mismas danzas del pasado "los tesoros culturales del pasado están vivos" ejemplo, hoy podemos ver una plata de energía atómica al lado de un templo antiquísimo con sacerdotes que realizan rituales igual a sus antepasados.En occidente, aun cuando pueblos enteros fueron destruidos por los enemigos, el arte y la fuerza de su genio son invulnerables, como Grecia cuna del arte que aún se mantiene vigente. Como los hijos prolongan el legado paterno y se forma la médula ancestral de la familia, esos pueblos nos legaron su cultura.

Nuestro siempre recordado Santo Juan Pablo II dijo:"Vosotros los artistas teneis una vocación muy elevada pues podéis ayudar a los hombres con lo mejor de nosotros mismos, la creación artística. La Cultura tiene como fin el pleno desarrollo de los hombres y de los pueblos. El nos da la luz a la historia y nos abre a la eternidad”.El Papa que fue un artista de teatro, al ir a Africa dijo al ver bailar a los aborígenes: “Esto no es solo ver, bailar, es como rezar 3 veces porque se expresan con el cuerpo, el alma y el espíritu y es una alabanza a su creador”